En Octubre de 2013 se celebró en la ciudad de México el Abierto Mexicano de Diseño, un evento creado con la intención de acercar todo lo que conocemos por ‘diseño’ a la sociedad, según sus propias palabras. Con un objetivo tan amplio y que incluso podría entenderse como pretencioso, hemos querido dejar pasar el tiempo, intentar entender que innovaciones y actividades están teniendo lugar en esa enorme ciudad que es México DF y volver ahora la vista atrás para comprender lo que se ha generado a partir de este evento y que otras iniciativas han surgido en la ciudad recientemente.

México es una ciudad con un crecimiento que se desarrolla a una velocidad imparable y con una complejidad extrema, en la cual el diseño siempre ha formado parte de la cultura cotidiana. Un diseño anónimo, que surge ante la necesidad de dar respuestas inmediatas a problemas que requieren soluciones efectivas y rápidas, y a los que las administraciones no responden con la diligencia necesaria. La inteligencia colectiva de la población ha hecho de México DF una ciudad con una riqueza cultural invaluable, en la que de forma espontánea y colaborativa se crean objetos y artefactos cada vez más ingeniosos, en una mezcla de tradición y uso de las nuevas tecnologías. Es por eso que en este contexto, sea tan difícil valorar o sacar conclusiones acerca de un evento como el Abierto Mexicano de Diseño.

Mexico DF visto desde la Torre Latinoamericana.

Sin lugar a dudas las diferencias [tan habituales en Latinoamérica] entre clases sociales y la segregación presente en este tipo de ciudades, hacen que sea un gran reto la premisa de “acercar el diseño a la sociedad”. No obstante, son de resaltar los esfuerzos del equipo de trabajo de este evento por incorporar el mayor número de sedes y colaboradores posibles, entre los que se pueden destacar una gran serie de actividades en los sitios más inesperados, como el Portal de Santo Domingo, en donde los escribanos teclean sin parar en sus viejas máquinas de escribir mientras justo al lado, jóvenes diseñadores tienen la oportunidad de exponer sus creaciones más recientes; o la oportunidad de visitar el Piso 30 de la Torre Latinoamericana [donde por cierto, el ascensor no paraba por la gran afluencia de visitas] mientras se descubre la relación entre los oficios más tradicionales y su influencia en el trabajo de diseñadores emergentes, quienes hacen de lauderos, rotulistas y zapateros un aliado estratégico para potenciar sus diseños.

El evento de tres días tuvo como punto de partida una convocatoria abierta, por lo que el espíritu de aprendizaje se encuentra ya desde la base. El intercambio de información entre los oficios más tradicionales y las técnicas más nuevas se da de forma flexible, con acceso a documentos, imágenes y talleres en los que participaban grupos de personas muy diversos, lo que ha provocado un enriquecimiento cultural muy amplio.

Oficios. Abierto Mexicano de Diseño.

Oficios. Abierto Mexicano de Diseño.

En este contexto es importante pensar en un marco más amplio, en diversas referencias que usualmente se mencionan en relación a los ámbitos de cultura y sociedad. En los últimos años hemos podido ver como los conceptos de “ciudades creativas” o “clases creativas” promulgado por Richard Florida a principios de la década del 2000, han sido también grandes potenciadores de barrios gentrificados y de precariedad laboral en el ámbito de las artes, el diseño e incluso la arquitectura. Entonces, cabe preguntarse ¿en dónde quedan los cambios políticos y sociales propuestos por este tipo de teorías? Martha Rosler en su libro Culture Class, habla de la necesidad de considerar el hecho de la “culturización” de la política y de cómo la cultura en estos últimos años se ha convertido en moneda de cambio o en un recurso, a disposición no solo de los ciudadanos, si no también de las entidades gubernamentales.

Es por eso que el gran reto de eventos como el Abierto Mexicano de Diseño es lograr un cambio, por pequeño que sea, en la valoración del trabajo que se realiza en el campo del diseño y en la implicación que las instituciones culturales pueden tener para que estos cambios se vayan implantando y contagiando en el entorno urbano. Por tanto, es interesante entender este evento no de forma aislada, si no como un nodo dentro de la red que se está potenciando en la ciudad de México e intentar entender como la tradición se mezcla con las nuevas prácticas con una intención de cambio.

En este sentido, en la ciudad de México DF pueden apreciarse diversas propuestas que van más allá del Abierto Mexicano de Diseño. Hace varios meses el Gobierno del Distrito Federal ha inaugurado el Laboratorio para la Ciudad [LabPLC], como plataforma para el área de innovación cívica y creatividad urbana de la ciudad. En tiempos en los que el concepto de “smart city” [ciudad inteligente] ha hecho posible que volvamos la mirada nuevamente al “smart citizen” [ciudadano inteligente], es importante olvidar el reciente tecnofetichismo que rodea gran cantidad de iniciativas similares y aprender a utilizar las tecnologías como una herramienta más, entendiendo la ciudad como un sistema vivo al que no se le pueden poner marcos institucionales y en el que la inteligencia colectiva responde a las complejas dinámicas que dan forma a la ciudad. El reto realmente interesante es promover de forma abierta el aprendizaje entre un contexto y otro, provocando un intercambio real y enriquecedor entre una población mejor informada y conectada que logre incidir de forma práctica y positiva en la ciudad.

#HackDF . 1er Festival de datos de la Ciudad de México.

Interpretar esas dinámicas que conforman las ciudades es una tarea compleja, ya que el cumulo de interacciones no lineales que intervienen son infinitas e inclasificables. Por ello queremos poner en valor las experiencias y experimentos que se están realizando en la ciudad de México, entendiendo el contexto urbano como un laboratorio ciudadano en el cual potenciar, utilizando el diseño como pretexto, el nivel de interacción entre personas, para entender, interpretar y fomentar una ciudad más relacional.

—Ethel Baraona Pohl, editoria Quaderns.

El día 23 de Mayo se inuguró en el COAC la exposición _import Ticino parte de “The _CONNECTION project”, comisariada por Xavier Bustos, Nicola Regusci, Irma Arribas, Directores de la AAAB y comisarios del proyecto BARCELONA CONNECTION. Fue una gran alegría para todos nosotros compartir con los estudios que llegaron desde Ticino y por este motivo, hemos pedido a los comisarios que nos envíen un texto con sus impresiones de esa noche y del proyecto en general, que se puede leer a continuación:

“La exposición _import Ticino en el COAC se plantea como el eje vertebrador de la primera parte de la conexión entre la arquitectura de Barcelona y la del Ticino, a la vez que punto de partida de un largo camino a recorrer de aquí al 2015 nutrido de conexiones entre los profesionales locales y profesionales de otras ciudades / regiones / países…

La exposición muestra 20 proyectos de arquitectura de una gran calidad realizados en el Ticino, la suiza de habla italiana, firmada por profesionales menores de 50 años y poco conocidos en nuestro ámbito, que se completa con la edición de un catálogo compuesto por varios textos críticos y la información gráfica de los 20 proyectos seleccionados. Además, se incorpora la realidad aumentada, tanto en la exposición como en el catálogo, que permite ampliar la información mediante el acceso a videos desde los smartphones o las tablets, y que mantiene “activos” los contenidos.

La segunda parte de esta conexión tendrá lugar en Ticino (Mendrisio), y se iniciará con una exposición de 20 proyectos de vivienda pública colectiva realizados en el área metropolitana de Barcelona por arquitectos locales menores de 50 años, que se recogerán en la segunda parte del catálogo.

Pero también hay que destacar las dos acciones que completan esta primera parte de la conexión, como son la jornada de intercambio académico entre docentes de la Accademia di Architettura y de las escuelas de arquitectura locales y el encuentro final de intercambio profesional, con un carácter más festivo, entre los 20 estudios suizos, los 20 estudios barceloneses que se expondrán en Ticino y una parte importante de los profesionales del ámbito arquitectónico y cultural de la ciudad de Barcelona.

La valoración desde la organización es muy positiva. Acto inaugural con la presencia de 17 de los 20 estudios ticineses expuestos y gran afluencia de público. Exposición muy visitada durante los 15 dias que ha estado en el Espai Picasso y con voluntad de itinerancia por otros ámbitos geográficos. Intercambio docente que se completará en la Accademia di Architettura. Y encuentro final donde la conexión entre los de aquí y los de allí ha sido / es / será real. Intensa. Y continuará en octubre en Ticino…con la presencia de los 20 estudios barceloneses seleccionados.

… objetivo conseguido.”

La trayectoria de Adams ha sido internacionalmente reconocida, y esta exposición repasa su legado artístico, desde los sesenta hasta la actualidad, y traza a través de imágenes su idilio con esta parte de Estados Unidos, una relación basada en la búsqueda de la luz y la belleza, que sobreviven a pesar de la complicada comunicación entre la humanidad y la naturaleza. La forma en que Adams nos permite entender los diversos factores que configuran el espacio, el territorio y la historia a través de imagenes en blanco y negro, es muy sugerente. Estas evocadoras fotografías muestran una realidad que a veces nos pasa inadvertida por su misma cotidianeidad: desde las fotos de construcciones y monumentos, hasta sus instantáneas más recientes de las playas y aves migratorias del Pacífico noroeste.

La exposición que se puede ver ahora en el MNCARS reúne más de 40 libros y una selección de más de 300 fotografías en blanco y negro, fechadas entre 1964 y 2008, y procedentes de la Yale University Art Gallery. Este amplio rango de tiempo le permite al visitante entender la trayectoria del fotógrafo en toda su amplitud, de la misma forma que permite un acercamiento a la cultura y a la historia de Estados Unidos a través de la lente de Adams. Mirando sus silenciosos paisajes podemos entender a que se refería cuando escribió “Silence is, after all, the context for the deepest appreciation of art: the only important evaluations are finally, personal, interior ones.” Los extractos de escritos del propio fotógrafo que pueden verse en la muestra nos acercan de forma más personal, alejada del mito.

La fotografía es un arte que también nos permite comprender mejor nuestro entorno, nuestras ciudades. De la misma forma que Julia Schulz-Dornburg ha utilizado este medio como denuncia, también Adams utilizó este medio después de su visita a Suecia en 1968 para comunicar sus inquietudes relacionadas con el ámbito urbano. Durante ese viaje, escribe: “No hay vallas publicitarias en las autopistas, ni anuncios en la televisión, pocas zonas residenciales…”. Este viaje le sirve para reparar en la relevancia de las intervenciones urbanísticas realizadas por entonces a lo largo de la cordillera Front de Colorado. El mismo año documenta por primera vez, en el conjunto de fotografías Edén, esas estructuras comerciales y residenciales en expansión ante un paisaje agreste y glorioso.

Al ver algunas de estas fotografías, es inevitable recordar las palabras de J. G. Ballard en “Drowned World”:

“Casi todos nosotros hemos tenido la experiencia de deja vu, de haber visto antes todo esto, en verdad, de recordar demasiado bien estos pantanos y lagunas. Los recuerdos biológicos son casi siempre desagradables, ecos de peligros y terrores. Nada dura tanto como el miedo. En toda la naturaleza ves ahora ejemplos de mecanismos liberadores innatos, que han estado dormidos durante miles de generaciones, pero que conservan todo su poder.”

Su serie Noches de verano capta el ambiente y silencio de las urbanizaciones residenciales después del anochecer, provocando en nosotros ese deja vu tan bien descrito por Ballard. Visiones de los suburbios que pueden ser terribles y tormentosas, que nos recuerdan de nuevo las fotografías de Schulz-Dornburg por la esencia que en ellas se percibe.

/// La exposición puede verse hasta el 20 de Mayo en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

/// Fotografías cortesía del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Más info en la web de MNCARS

Mediante una operación geométrica que divide la planta en cuatro triángulos casi iguales, el espacio es ahora expresión material del trabajo fragmentado de cuatro equipos de comisarios que especulan sobre las políticas de los concursos de arquitectura. En este diálogo a cuatro voces, dirigido por Adrian Lahoud, el término “competición” oscila entre la prueba conducente a ganar proyectos y una serie de valores y comportamientos que permean en la práctica profesional y afectan al estado actual de la disciplina.

Como ocurre con los concursos de arquitectura, mucho del contenido pasa desapercibido en un primer vistazo, agazapado en textos impresos en vinilo negro sobre fondo negro, blanco sobre blanco o folletos apilados. Según explica su directora Eva Franch i Gilabert, el proyecto de Storefront no persigue la presentación didáctica de información sino la creación de experiencias que median entre el discurso y su materialidad, y el desarrollo de arquitecturas a través de las prácticas curatoriales. En este contexto, The Competitive Hypothesis, parece construida desde la tensión entre la búsqueda de la experiencia espacial y la transmisión de contenidos.

A la entrada, la iluminación apunta hacia un par de folios clavados directamente sobre el muro. Se trata de la carta que Piero Frassinelli de Superstudio envía con motivo del concurso Shinkenchiku Residential [1976] para el diseño de una ‘Casa para una superestrella”, y la posterior reacción de Arata Isozaki, miembro del jurado. Es, también, uno de los cuatro casos paradigmáticos que nos regalan Carmelo Rodríguez Cedillo y Daniel Fernández Pascual, comisarios de la primera cuarta parte de Storefront: SF1: On Anonymity, deception and ambition, una mirada a las estrategias y engaños con los que los concursantes astutos obtienen ventaja sobre el resto de competidores. La selección, en sí misma una bonita y sutil estratagema, requiere tiempo y voluntad para navegar entre compendios de lemas de concursos, comentarios de jueces, reflexiones sobre autoría y valoración de proyectos, incluso una encuesta realizada en 1872 por el Royal Institute of British Architects [RIBA] para investigar las prácticas corruptas en concursos que, desgraciadamente, no han perdido vigencia.

El recorrido continúa a través de un pasillo oscuro y cada vez más estrecho que conduce a los dominios del homo oeconomicus. El proyecto SF2: The Habitat of Homo OEconomicus, por Ross Exo Adams & Ivonne Santoyo-Orozco, invita a reflexionar sobre la participación de los arquitectos tanto en la construcción de grandes desarrollos inmobiliarios como en la generación de imágenes seductoras que aseguren su venta en cualquier punto del planeta. Su expresión gráfica nos provoca desde la familiaridad: un lienzo aislado, construido por superposición de clichés visuales y compositivos muestra la figura del homo oeconomicus, ese sujeto sin rostro que habita y circula en paisajes de felicidad genérica, en un eterno verano al servicio de los intereses del capital.

Ana Dana Beroš and Adrian Lahoud, son los comisarios de SF3: Think Space Past Forward, que recoge los resultados de la convocatoria Think Space 2012, donde se aporta una mirada renovada a concursos fallados hace años y que han supuesto momentos de inflexión en la disciplina, como la terminal de Yokohama o el Blur Building. La instalación a base de cables y pinzas de las que cuelgan los paneles, constituye una línea de tiempo en la que conviven la construcción de narrativas históricas del pasado reciente y su revisión contemporánea, y donde las propuestas de Hadid, Zaera, Renfro & Scofidio compiten ahora con las de jóvenes arquitectos, estudiantes (y quién sabe si futuras superestrellas de la arquitectura) como Pedro Pitarch o Andrei Olaru.

Continuando con esta forma de reconocimiento a las nuevas generaciones, Davide Sacconi propone en SF4: Mind the Gap, el último escenario, dar voz al colectivo de los becarios. Para ello, Sacconi los saca del anonimato y los reivindica como componentes indispensables del engranaje del estudio de arquitectura y, especialmente, la maquinaria del sistema competitivo. Precisamente, mediante el formato de concurso, se hizo un llamamiento a becarios de todo el mundo para que compartieran sus experiencias laborales. Treinta de ellos han logrado que sus retratos y relatos lleguen hasta Storefront, donde ahora se exponen sobre un atril y se proyectan a intervalos pausados, construyendo un género narrativo que no está claro si opera desde el humor o la epopeya. Mind the Gap plantea el reto de saber si nos encontramos ante una ingeniosa denuncia de la lógica sobre la que se asienta un sistema laboral injusto y muchas veces ilegal, ante su celebración, o ninguna de las anteriores.

Y es que en el Storefront de The Competitive Hypothesis, no sólo se han multiplicado las voces, sino también los muros, las esquinas, los pasos estrechos y ángulos incómodos, llevando la idea de competición al propio espacio expositivo. No hay duda de que la búsqueda de la colisión entre discurso y sus posibles manifestaciones espaciales y materiales supone una de las particularidades y valores de esta galería, de las pocas especializadas en arquitectura. Puede que este sea su mayor interés y, por ello, encontrar el equilibrio entre experiencia espacial y reflexión crítica constituye siempre un reto.

The Competitive Hypothesis, contrariamente a lo que ocurre en muchas exposiciones sobre arquitectura contemporánea, no ofrece un espectáculo vacío. De hecho, la investigación llevada a cabo por los comisarios resulta más compleja que su puesta en escena. El diseño de Amanda Clarke y Adrian Lahoud es heterogéneo y austero, pero acoge una discusión disciplinar relevante –sobre los medios y fines de la práctica arquitectónica– que no se agota en el espacio-tiempo de la galería y genera nuevas preguntas: más allá de la rivalidad interpersonal, la búsqueda de oportunidades o la adaptación a leyes del mercado, ¿con qué objetivo competimos los arquitectos? Y sobre todo, ¿contra qué?

—Marina Otero Verzier (@marina_ov), Nueva York. Photos courtesy of Naho Kubota.